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Historia de la Arquitectura


 






Expresionismo.

El Expresionismo, semánticamente hablando, parece ser un antónimo del impresionismo. No es exactamente eso, aunque los expresionistas no muestran el lado alegre de la vida como los impresionistas lo habían hecho.
El movimiento aparece en la primera década del siglo gracias a los descubrimiento y a las audacias de los “post-impresionistas”, especialmente Gauguin y Van Gogh. Experimenta con sorprendentes combinaciones de colores y sus líneas caricaturescas, tratando, como lo hicieron aquellos, de expresar lo que sienten, en particular en este caso su angustia frente a la vida. Aun que algunos nombres prestigiosos se asocian a la arquitectura expresionista durante gran parte del siglo, especialmente en Alemania, el movimiento es más evidente en la escultura y en la pintura.
Hans Poeltzig construye el teatro de Salzburgo y posteriormente, Mies Van der Rohe proyecta rascacielos que pretenden ser expresivos.
Los escultores estrellas son los alemanes Ernst Barlach y Kate Kollwitz. “Tenga piedad”, la escultura de madera de Barlach invita a la piedad por su extrema simplificación y el simbolismo de las manos abiertas.
Los pintores expresionistas más conocidos son probablemente Edward Munch (1863-1944), noruego, y Oskar Kokoshka (1886-1980), austriaco. Contemporáneamente, en Alemania encontramos un tipo de respuesta similar ubicada en el mismo año. El Expresionismo alemán aparece como un grupo organizado en la ciudad de Dresde y con el significativo nombre de “Die Brucke” (El Puente).
El lenguaje expresivo del Expresionismo alemán, pese a basarse en el mismo concepto agresivo del dibujo y el color de su homólogo el Fauvismo, se va a diferenciar cualitativamente de este en su concepción del tema. Sumido en una profunda actitud nihilista y anarquista del mundo, busca trascender la realidad consciente por una realidad trascendente y primigenia. Otra será la propuesta plástica presente en el sur de Alemania, en la ciudad de Munich, cuando los integrantes del grupo “Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul), partiendo de las mismas posibilidades expresivas del color, entre 1912 y 1916, dieron un paso crucial más allá de las fronteras del mundo de las apariencias para crear algunas de las primeras obras de arte no objetivo, que ha sido denominado “Expresionismo Abstracto”, siendo su principal teórico y exponente el ruso Wassily Kandinsky.

El diseño vanguardista en los comienzos del siglo xx.

Los movimientos artísticos y la agitación política fueron quienes generaron grandes cambios en el diseño gráfico. Dada, De Stijl, Futurismo, Bauhaus y Constructivismo crearon una nueva visión en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se opusieron a las artes decorativas y populares de su tiempo. Nacieron de un espíritu revisionista que se pudo ver en todas las actividades artísticas de la época.

Movimientos

Futurista

- Año 1909.
- Representante: Filippo Mirinetti.
- Lugar: Francia

Dadísmo

- Año: 1916
- Representante:Tristan Tzara
- Lugar: Zurich

De Stijl

- Año: 1917
- Representante: Theo Van Doesburg
- Lugar: Holanda

Bauhaus

- Año: 1919
- Representante: Walter Gropjus
- Lugar: Alemania

Constructivismo

- Año: 1920
- Representante: Vladimir Tatlin
- Lugar: Rusia

Futurismo

Nace en París, en 1909, de la mano de Marinetti. Se basó en la búsqueda de nuevos modos de expresión, siendo los primeros en romper con las formas tradicionales.
Representaron la energía de la velocidad con arcos dinámicos y superestructuras. Textos repartidos a modo de collage representando formas constructivas.
Empleados de forma libre, el tipo y las letras se convierten en elementos autónomos de diseño. Fuertes contrastes de formas y tamaños. El uso del texto en línea diagonal y la repetición secuencial hacen surgir una tipografía de símbolos verbales.

El Dadaismo.

El Dadaismo surge con los destroces de la primera guerra mundial. Defiende una actitud negativa hacia todo lo que produce la civilización bélica que contemplan los artistas del grupo “Dada”.
Dada es la negación de la trascendencia. La palabra dada, en francés pertenece al registro linguístico infantil y significa “caballo” pero para los artistas quienes frecuentan el café “Voltaire” en Zürich entre 1915 y 1922, dada es cualquier cosa.
La creación se pierde a favor del azar y de la elección. Son presentados como obras Dada: un orinal comprado en tienda que Marcel Deschamps petende hacer pasar por una “Fuente”, collages azarosos de Arp y los “Merz”, collages aleatorios de objetos que Kurt Schwitters introduce hasta en la arquitectura.

De Stijl

El fundador de este movimiento fue Théo Van Doesburg. En 1917 se unieron a él, en Holanda, los pintores Piet Mondrian y Bart van der Lek, el arquitecto J.J.P y otros.
La fuente a partir de la cual se desarrolló la filosofía y las formas visuales de este movimiento fueron las pinturas de Mondrian.
Fue una evolución del cubismo para convertirse en una abstracción geométrica pura. Buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Escondidas en las apariencias externas de las formas, encontraron las leyes universales que gobiernan la realidad visible. Utilizaron líneas, formas y colores puros para crear puras relaciones ordenadas armoniosamente.

Constructivismo

Movimiento ruso que nace de la mano de Vladimir Tatlin en 1920, época de fuertes conflictos.
Se basó en el uso de las formas geométricas simples y de materiales industriales. Su mayor difusión fue la arquitectura, siendo ésta de forma funcional, cómoda y económica.
Utilizaron elementos geométricos con claro tecnicismo y construcciones arquitectónicas de gran armonía y dinamismo, con el fin de dirigir esta representación a procesos sociales colectivos.
Justificaron los textos a la derecha y a la izquierda, haciendo uso de las mayúsculas, encontrando así el contraste de las formas mediante los efectos positivos y negativos.
Se le dio mucha importancia a la técnica y al proceso de construcción. Se desarrolló la “tipografía elemental” a partir de formas claras y reduccionistas propias del constructivismo.

Neoplasticismo

En 1917 aparecía el primer número de la revista De Stijl (El estilo). Los principales promotores del neoplasticismo fueron Mondrian y Van Doesburg y su órgano de expresión la citada publicación.
El nuevo arte no podía ser la representación de algo concreto y menos naturalista, sino debía ser algo integral y cosustancial con la vida. El arte que creaban debía ser patrimonio de lo universal, no de lo particular. Todos los ambientes debían adecuarse deberían derivar de un principio fijo y universal.
“La nueva plástica no puede estar oculta por lo que es característico de lo particular, forma y color naturales, sino que debe ser expresada por a abstracción de la forma y el color -mediante el recurso de la línea recta y e color primario determinado- . Estos recursos plásticos universales fueron descubiertos por la pintura moderna mediante un proceso de abstracción conveniente de la forma y el color: una vez estuvieron descubiertos, emergió allí, casi de propio acuerdo, una plástica exacta de relación pura, lo esencial de toda emoción de belleza plástica”.
Lo esencial de la naturaleza y de la vida se convertía en el protagonista de la pintura: los colores primarios (rojo, azul, amarillo), su suma (el negro) o su ausencia, el blanco. Era una realidad estética que resumía los principios constructivos y generativos de la naturaleza, capaz de ser ampliado y proyectado hacia el infinito. Una realidad “atómica” que es el organigrama de todos los elementos que componen la vida en toda su extensión.

Surrealismo

Surge efimeramente con el Bosco, pero es en 1924 con el escritor francés André Breton y su manifiesto surrealista que se vuelve movimiento.
Breton pretende asociar la espontaneidad de expresión que habían promovido los dadaistas con la misteriosa mecánica de los sueños y del inconsciente que Freud ha descubierto.
Grandes surrealistas son Magritte, Dali y Ernst
El Surrealismo, de Magritte es particularmente interesante “El placer”.
En esta obra, una niña vestida con refinados encajes muerde un pájaro todavía lleno de plumas, manchando su ropa.
Además del contraste entre la inocencia tradicionalmente asociada con el concepto de niñez, y lo horripilante de la acción se observa otro entre la elegancia de la ropa y la crudeza de la actitud.
Esta obra parece recordar e invertir la situación del “Jardin de las Delicias” del Bosco. Ahí, el diablo tiene cabeza de pájaro y traga a los humanos uno tras otro.*
Dalí muestra los objetos más comunes bajo formas inesperadas (relojes blandos), asocia formas definidas y otras imprecisas, juega con la ambigüedad de formas que pueden pertenecer a la vez a objetos distintos (copa de frutas)…
A Ernst le interesa la locura y logra fama con el escándalo de la cervecería Winter en Colonia en 1920. Ahí, en su periodo Dada expone obras rechazadas en la sala trasera de un urinario y propone al público los medios de destruirlas.
Ernst es el autor del primer cuadro surrealista: “El Elefante Célebes”. El elefante es más bien un conjunto de objetos organizados para dar la impresión que se ve a un elefante desde atrás: algo que puede ser una caldera forma el cuerpo, se adivinan las defensas a la izquierda. Un tubo retorcido forma una cola enorme terminado con algo que parece cabeza de res. En la esquina derecha, un tronco de mujer. El sentido del cuadro queda incierto.
Las consecuencias de la devastadora y creciente industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero en Inglaterra y más tarde en Alemania, influyeron en la clase obrera y en la producción de los artesanos. El progreso tecnológico también trajo consigo un cambio en las estructuras sociales. Entre ellas destaca la proletarización de amplios sectores de la población pero también el hecho de que así se pudieron racionalizar y abaratar los costos de producción de bienes. En el siglo XIX, Inglaterra se alzó como la potencia industrial más prominente de Europa.

Hasta bien entrados los años noventa del XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo que se refiere a adelantos técnicos y culturales, resultando los indiscutibles vencedores. Esto ya se anunciaba desde los años cincuenta, cuando reformaron los procesos educativos tanto para los artesanos como para las Academias. En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos anteriores. Sin embargo, con este sistema no se lograba el propósito de las reformas, es decir, no se alcanzaba la creación de una cultura que llegara al grueso de la gente. Por ello, la afiliación al socialismo planteó una mejor solución. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores como la Bauhaus.
En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de la década de los noventa se dio impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra. Más tarde, en 1896, el gobierno prusiano envió a Hermann Muthesius a Inglaterra por un periodo de seis años, en calidad de “espía del gusto”. Su estancia tenía como finalidad estudiar las causas del éxito inglés. Gracias a esto se establecieron en el país germano Escuelas de Artes y Oficios en las que diversos artistas modernos fungieron como profesores. En esas escuelas y talleres se producían principalmente enseres de casa, muebles, textiles y utensilios de metal. Estilísticamente, los productos alemanes de final de siglo no tenían parecido alguno con los producidos por los ingleses de las Arts and Crafts, movimiento profundamente arraigado durante el siglo XIX. En esa década de 1890, Alemania adelantó a Inglaterra como nación industrializada, asegurándose ese puesto hasta 1914, cuando estalló la Primera Guerra Mundial.

En 1918, el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius la dirección y administración de las dos escuelas más importantes de arte en Weimar, la Sächsichen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst. Finalmente, tras la unión de ambas, el 12 de abril de 1919 Gropius fundó la Statliches Bauhaus in Weimar, la escuela de arte más moderna en su tiempo. En un manifiesto de la Bauhaus distribuido por toda Alemania, Gropius aclaraba el programa y la meta de la nueva escuela: artistas y artesanos debían trabajar juntos en la construcción del futuro. Gropius declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir la escuela desde su inicio. Se refirió a ellos en los siguientes términos retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes alrededor del eje de la arquitectura:
“Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual […] Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas. Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega.”

Siguiendo las ideas del consejo, construir se convirtió para Gropius en actividad social, intelectual y simbólica. Reconcilió los oficios y especialidades, hasta entonces independientes, uniéndolos como trabajo en común en el que la construcción allana diferencias de condición y acerca a los artistas al pueblo. Todas estas ideas y conceptos se aplicaron en talleres de la misma escuela, donde se daban cita actitudes estéticas en las que alumnos y profesores trabajaban en conjunto. Ahí se experimentaba con tejidos, trabajo de metales, diseño inmobiliario, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y arquitectura. Esto llevó a diseños incipientes, funcionales y eficientes.
Figuras del mundo entero se unieron a esta institución pedagógica que orientó el pensamiento de toda una generación de arquitectos, diseñadores y artistas hacia la creación de obras con utilidad social, producidas en serie. Entre éstos destacaron arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky; y la tejedora Anni Albers. Otra figura de gran importancia fue Margarete Schütte-Lihotzky, diseñadora del prototipo de la cocina Frankfurt (1925), en cuya elaboración se utilizaron teorías científicas sobre el manejo del hogar y estudios sobre higiene y eficacia de movimientos. Con este diseño se resaltó un concepto esencial de la Bauhaus: reducir el tiempo, espacio y esfuerzo requeridos para el trabajo doméstico. Ello causó la adhesión de un gran número de seguidores, entre los cuales cabe mencionar a Gerrit Rietvelt, J.J.P. Oud y Moisei Ginzburg.
Estas grandes figuras trabajaron en la primera sede de la Bauhaus, ubicada en la ciudad de Weimar, trasladándose en 1925 a Dessau, donde ocuparon espacios provisionales que ya llevaban el nombre de Bauhaus Dessau, Hochschule für Gestaltung. Un año más tarde tuvo lugar la apertura del edificio oficial, una obra maestra de la arquitectura diseñada por el mismo Walter Gropius. Este cambio de sitio se debió a que la ciudad de Dessau ofrecía mayor apoyo económico que Weimar y, al ser una ciudad industrial, tenía una relación más directa con la ideología de la escuela. Años más tarde, en 1931, la Bauhaus se vio obligada a cerrar sus puertas por motivos políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director, decidió continuar el proyecto en Berlín. En esos años el Partido Nacional Socialista ya gobernaba en Alemania y, al no aprobar el intercambio cultural con artistas de otros países, estableció que el arte debía ser puramente alemán. Por ello, en 1933 la escuela fue definitivamente clausurada.

Por otro lado, es necesario mencionar el gran impacto pedagógico que esta institución ejerció en los Estados Unidos. Grandes escuelas continuaron con esta manera de enseñar en busca de un nuevo arte útil que ayudara lo más posible a la sociedad en su conjunto. Algunas escuelas con esta tendencia fueron el Instituto Tecnológico de Illinois en Chicago, el Black Mountain College en Carolina del Norte y el Posgrado de la Escuela de Diseño de Harvard, que estuvo bajo la dirección de Gropius de 1938 a 1952.
En el Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung, ubicado en Berlín, actualmente existe un gran número de obras realizadas por los integrantes de esta escuela. El edificio fue diseñado por el mismo Gropius y cuenta con un museo, una colección documental y una biblioteca. Esta organización revela la gran importancia de la escuela, su progreso a lo largo de la historia y la manera en que sirvió como plataforma vital para el desarrollo de nuestro siglo.

BIBLIOGRAFÍA

http://www.documentarte.com/html/res_ca_movimiento_ficha.phtml?codigo=46
http://www.sonria.com/design/conceptos/vanguardias.php
http://www.tam.itesm.mx/art/ismos/eisme18.htm
http://www.nacion.co.cr/ancora/1999/julio/11/ancora3.html
Autor: Narda A. Calderón Carmona


 





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