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Historia del arte occidental


 






Los trabajos que tradicionalmente se hacen sobre Historia del Arte normalmente tienen como objeto de estudio la evolución de la historia del arte occidental, fruto del eurocentrismo corriente en la sociedad europea y norteamericana. Dichos trabajos suelen excluir incluso algunos periodos artísticos como bizantino o el árabe clásico aún cuando parte de estos se desarrolló en territorio europeo. Este estudio, no obstante, al considerar la cultura occidental como elemento fundamental de la vida contemporánea, se hace necesario a fin de comprender el alcance del arte alrededor del mundo, recibiendo influencias y siendo influenciado por otros movimientos. Estudiosos como Giulio Carlo Argan, por ejemplo, consideran el arte contemporáneo como un desbordamiento de la crisis del arte en cuanto a ciencia europea.

Los estudios sobre historia del arte, por otro lado, suelen centrarse en la pintura, la arquitectura y la escultura, dejando de lado otras ramas como la literatura o la música, las cuales son estudiadas en trabajos más especializados.

Esta historia del arte occidental puede considerarse en su mayor parte restringida al contexto europeo por más de tres milenios: el núcleo principal del arte occidental permanece en el continente europeo hasta mediados del siglo XX, cuando comienza a trasladarse también hasta los Estados Unidos, especialmente tras la II Guerra Mundial.

Arte antiguo


Los primeros conceptos teóricos respecto al estudio de las artes surgen en la Antigüedad. Aunque cubre un periodo de tiempo bastante largo, se destaca ahí la formulación de la estética clásica realizada en las culturas griega y romana.

Durante prácticamente toda la Antigüedad, el arte estuvo muy asociado a las necesidades formales de los rituales religiosos: las distintas formas de producción artística (pintura, escultura, arquitectura), buscaban de alguna forma traer para el mundo mortal los valores del mundo divino. Esta visión del arte se encuentra especialmente entre los egípcios y babilonios. Los griegos y romanos, sin embargo, aunque cultivaran esta necesidad, caminaron hacia un arte con nuevos significados. El arte, para ellos, se convirtió en una forma de humanismo. Por otro lado, mientras que en arte mesopotámico hay una exaltación de la vida, en el egipico hay una exaltación de la muerte, llegando a manifestarse en los primeros momentos la idea que que el faraón seguía reinando después de la muerte. En Egipto, a partir de la cuarta dinastía, el faraón pasa a ser concebido como un Dios (teocracia), y ello tendrá su reflejo en el arte.

No existía la noción de perspectiva, que sólo fue (brevemente) desarrollada por los griegos en un concepto llamado escorzo, aunque no sistematizado (algo que no será hecho hasta el Renacimiento). De esta forma, la pintura egipcia, por ejemplo, se caracteriza por plasmar una realidad en sus pintura que se mostraba de forma bidimensional de un modo simbólico: los personajes de mayor importancia, como los faraones, se representaban a una escala mayor que las demás figuras.

En cuanto a la arquitectura egipcia, se han conservados pocos restos de arquitectura civil, por lo que las obras más notorias son los edificios religiosos y funerarios, de carácter monumental. En la actualidad suelen identificarse las pirámides como el tipo dfe construcción más representativa del Egipto Antiguo.


Arte clásico: Grecia y Roma


Los griegos son los responsables de un concepto de arte que permeará prácticamente toda la producción artística occidental durante más de 2000 años. La palabra griega para el arte, tekné, que también significa técnica u oficio, estará asociada a la idea de mímesis, que considera que en el mundo real, la manifestación artística debe representar la búsqueda de lo ideal. Lo ideal, para los griegos, era representado por la Perfección de la Naturaleza, de esta forma, el arte debe ser perfecto. Por lo tanto, según el punto de vista clásico, el arte es una imitación de la naturaleza, mas no se reduce a un simple retrato de ella, sino que busca una naturaleza ideal y universal. La búsqueda de este ideal universal de naturaleza es, para el arte clásico, la búsqueda de la belleza universal, pues la naturaleza, siendo perfecta, es bella. No existe separación, según este punto de vista, entre arte, ciencia, matemáticas y filosofía: todo conocimiento humano está destinado a la búsqueda de la perfección.

Los griegos son responsables también de una serie de avances desde el punto de vista técnico de la producción artística. El arte griego por excelencia fue la escultura: los griegos la desarrollarán de forma impresionante, y será considerada un modelo a seguir por otras culturas del mismo periodo. La búsqueda de las proporciones naturales perfectas llevó también a que la escultura griega estableciese determinados cánones de belleza que, aunque absolutamente naturalistas, estaban alejados de la realidad cotidiana. Las proporciones de los cuerpos humanos ideales seguían normas rígidas, de forma que la producción escultórica fuese una búsqueda y una consecuencia de estos cánones: por ejemplo, la altura del cuerpo masculino debería corresponder aproximadamente a siete veces y media la altura de la cabeza. Esta proporcionalidad llegó hasta nuestro días principalmente gracias a la conservación de los textos vitruvianos durante la Edad Media, aunque es probable que tratados distintos reflejasen reglas diferentes.

En el terreno de la arquitectura, los edificos más característicos del arte griego son los templos, los cuales suelen clasificarse según la tipología de sus plantas y el orden o estilo de las columnas. Los romanos reproduciran muchos de los esquemas arquitectónicos griegos, pero introduciendo además nuevos elementos como el arco, así como nuevas técnicas y materiales de construcción. En Roma, por otro lado, la arquitectura civil cobrará una mayor importancia.

Arte medieval

El arte durante la Edad Media estuvo casi exclusivamente ligado al la religión, más concretamente al cristianismo. Durante este periodo, en el que la inmensa mayoría de los campesinos era iletrada, las artes visuales eran el principal medio para comunicar las ideas religiosas junto con los sermones. La Iglesia Católica era una de las pocas instituciones lo suficientemente ricas como para pagar la obra de los artistas, y por tanto la mayor parte de las obras de este periodo eran de naturaleza religiosa (condicionando la aparición de lo que se conoce como arte sacro).

Desde la caída del Imperio romano, muchas de las técnicas artísticas de la Grecia Antigua se perdieron, lo que llevó a la pintura medieval a ser mayoritariamente bidimensional. Como no existía ninguna noción de perspectiva en el arte, las personas retratadas eran pintadas mayores o menores de acuerdo con su importancia. Junto con la pintura, la tapicería era la más importante forma de arte medieval, teniendo en cuenta que los tapices eran necesarios para mantener el calor interno de los castillos (construidos en piedra) durante el invierno. La tapicería medieval más famosa es el siclo de La Señora y el Unicornio.

Las dos principales manifestaciones arquitectónicas (relacionadas principalmente con la construcción de catedrales) eran el gótico y el románico. El gótico, caracterizado por construcciones de una mayor altura y con un gran número de vanos, supuso la aparición de nuevas técnicas de construcción, prescindiéndose de muros demasiado gruesos. En la construcción de las catedrales se buscaba crear una sensación “mística” en el interior de las mismas, es decir, se buscaba unos interiores que recrearan un ambiente “celestial”, efecto que se hace más notorio en el gótico.

Destaca también la aparición de los gremios, reuniendo a artesanos que detentaban el monopolio del conocimiento práctico de determinada rama de la producción.

Se debe resaltar que el pueblo durante la Edad Media no poseía el hábito de la lectura, y eran muy pocos los que tenían acceso a la escritura y podían leer. Por lo tanto, el arte fue una forma de difundir en la sociedad los valores del cristianismo.

La mayoría de los artistas medievales eran anónimos, más allá de que sea difícil identificar artistas individuales en el periodo.

Periodo: siglo VI - siglo XV


El Renacimiento

Artículo principal: Renacimiento

Durante la Edad Media europea, las pinturas y esculturas tendían a estar centradas en el tema religioso, especialmente en el Cristianismo. Pero, a medida que el Renacimiento emergía, el foco de atención de los artistas se traslada hacia el pasado clásico, buscando influencias en la Grecia Antigua y Roma, llevando a profundos cambios tanto en los aspectos técnicos como en cuanto a los motivos y temáticas de la pintura y la escultura. Los pintores pasaron entonces a aumentar el realismo de sus trabajos usando las nuevas técnicas de perspectiva (recién redescubierta y bastante desarrollada), representando de un modo más realista las tres dimensiones. La manipulación de la luz y y la sombra, presente en los trabajos de Ticciano con contraste de tonos, fue realizada excelentemente mediante las técnicas de chiaroscuro y de sfummato desarrolladas por Leonardo da Vinci. Los escultores también redescubriran muchas técnicas antiguas como el contraposto.

También se adoptarán muchos elementos de la arquitectura griega y romana, pero la gran innovación de la arquitectura renacentista va a ser el perfeccionamiento de la construcción de cúpulas, destacando la cúpula de Santa María del Fiore, en Florencia.

Siguiendo el espíritu humanista del periodo, el arte se volcó hacia temáticas más laicas, buscando motivos en la mitología clásica añadiéndolos a los temas cristianos. Este género de arte suele denominarse clasicismo renacentista. Los tres artistas renacentistas más influyentes son Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Rafael Sanzio, pertenecientes al renacimiento italiano.

Otra figura igualmente importante aunque menos conocida del Renacimiento (en este caso, de la pintura flamenca) es Jan van Eyck, pintor holandés.

Periodos:

* Renacimiento italiano - finales del siglo XIV hasta mediados del siglo XVI
* Renacimiento nórdico - siglo XVI


Manierismo, Barroco y Rococó


Artículos principales: Manierismo, Barroco, Rococó

En el arte europeo, el Clasicismo renacentista se dividió en dos movimientos diferentes: el Manierismo y el Barroco. El primero, una reacción contra la perfección idealista del Clasicismo, empleó la distorsión de la luz y de los espacios en la obra con el fin de enfatizar su contenido emocional y las emociones del artista. El arte barroco llevó el las técnicas de representación del Renacimiento hasta nuevas alturas, enfatizando los detalles y el movimiento en su búsqueda de la belleza. Tal vez los pintores barrocos más conocidos sean Rembrandt y Rubens.

El barroco se caracteriza por ser un arte recargado, en el que se le da un especial énfasis a la expresividad, muchas veces exagerada. El arte barroco es frecuentemente visto como parte de una estategia de la Contrarreforma o reforma católica: el elemento artístico del auge de la vida espiritual de la Iglesia Católica. Para algunos historiadores del arte el énfasis que el arte barroco da a la grandiosidad es visto como un reflejo del Absolutismo. Luís XIV dijo: “Yo soy la encarnación de la grandiosidad”, y muchos artistas barrocos servirán a los reyes buscando ese mismo objetivo. Sin embargo, el amor barroco por el detalle es con frecuencia considerado como el resultado de un excesivo ornamentalismo, en cierta forma, vulgar, especialmente cuando el Barroco evoluciona hacia el estilo decorativo del Roccocó. Después de la muerte de Luís XIV, el rococó floreció por un corto periodo de tiempo, decayendo enseguida. Como efecto de la aversión a la ornamentación excesiva del Rococó tendrá lugar el nacimiento del neoclasicismo.

Periodos:


* Manierismo - siglo XVI
* Barroco - siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII
* Rococó - mediados del siglo XVIII


Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo


Artículos principales: Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo

A medida que el tiempo pasaba, muchos artistas se manifestaban contrarios al ornamentalismo de los estilos anteriores, y buscaran volver al arte anterior, más simple, del Renacimiento, formando el estilo que será conocido como Neoclasicismo. El neoclásico fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como Iluminismo, el cual era igualmente idealista. Ingres, Canova y Jacques-Louis David están entre los más conocidos neoclásicos.

En la arquitectura los teóricos van a adoptar de nuevo las formas del Arte Romano y Renacentista, pero defendiendo la racionalidad y funcionalidad de las construcciones y desechando el dinamismo y los elementos ornamentales que habían caracterizado la etapa anterior. Otro elemento característico de la arquitectura neoclásica es su monumentalidad, utilizada con la finalidad de comparar los reinos e imperios del momento con la grandiosidad del Imperio Romano.

De la misma manera que el Manierismo rechazaba el Clasicismo, el Romanticismo rechazaba las ideas iluministas y la estética neoclásica. El arte romántico utilizaba el color y la gestualidad con el fin de retratar las emociones, pero, como el clasicismo, utilizaba la mitología clásica y la tradición como una importante fuente de simbolismo. Otro importante aspecto del Romanticismo fue su énfasis en la naturaleza, en el retrato del poder y la belleza del mundo natural, siempre idealizados de acuerdo con un yo. El Romanticismo fue también un gran movimiento literario, especialmente en la poesía. Entre los mayores artistas románticos están Eugène Delacroix, Francisco Goya, y William Blake.

Muchos artistas de este periodo tenderán a presentar una posición centralizadora que los llevó a adoptar simultaneamente características diferentes de los estilos romántico y neoclásico, como forma de sintetizarlos. Las distintas tentativas tomaran forma en la Academia Francesa, y reuniéndose colectivamente en la Academia de Arte. Se considera que Adolphe William Bouguereau encabeza esta nueva tendencia artística.

A inicios del siglo XIX, el aspecto y la sociedad de Europea se vieron radicalmente alterados por la industrialización. La pobreza, la miseria y el desespero parecían ser el destino del nuevo proletariado creado por la Revolución Industrial. En respuesta a estos cambios acontecidos en la sociedad surge el movimiento realista. El realismo procura retratar esmeradamente las condiciones de vida y dificultades por las que pasan las clases populares en la esperanza de cambiar la sociedad. Para este movimiento, el artista debe representar su tiempo, sin que tenga que posicionarse por un partido definido: debe retratar los puntos que considera adecuados, denunciando la sociedad. En contraste con los románticos, que eran esencialmente optimistas con el destino humano, el Realismo retrató la vida de las profundidades de una tierra urbana sin orden. Al igual que el Romanticismo, el Realismo se desarrolló también como un movimiento literario. Entre los grandes pintores realistas están Gustave Courbet y Edouard Manet (quien abriría el camino para el Impresionismo).

Es interesante notar que, el neoclasicismo haya sido dejado para el principio cuando con la aparición de los nuevos estilos, este continuó existiendo puntualmente y, en ciertos lugares, la arquitectura neoclásica perdurará hasta inicios del siglo XX.

Periodo:

* Neoclasicismo - siglo XVIII al siglo XIX
* Romanticismo - fines de siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX
* Realismo: siglo XIX


Impresionismo, póst-Impresionismo

Artículos principales: Impresionismo, Postimpresionismo

Surgido de la ética naturalista del Realismo, pero al mismo tiempo apartándose de ella, creció un importante movimiento artístico: el Impresionismo. Surge la fotografía y esta toma el lugar de la pintura de retratos, y los artistas se volcarán en la búsqueda del elemento fundamental de la pintura y destacado de la fotografía. Se encontrará en la luz y el movimiento. Los impresionistas fueron los pioneros en el uso de la luz en la pintura como forma de capturar la vida como vista por los ojos humanos. Edgar Degas, Edouart Manet, Claude Monet, Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir estaban relacionados con el movimiento impresionista.

Buscando nuevas formas de expresión y de diálogo con la realidad, surgirán artista que, aunque con un origen impresionista, se separarán del movimiento, previendo el advenimiento de lo moderno. Genéricamente llamados post-impresionistas, entre los integrantes de este grupo (que no poseían ningún vínculo formal, siendo muchas veces desconocidos unos de otros) se incluían Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne.

Arte moderno y vanguardista

Aunque la conceptuación del arte moderno sea complicada (dependiendo del punto de vista, este puede abarcar periodos y movimientos diverso), suele haber un consenso de que este está estrictamente relacionado con las vanguardias artísticas que proliferaron a inicios del siglo XX, consideradas como una evolución del obra del trío Van Gogh-Gauguin-Cezànne. De cualquier forma, la idea de modernidad está en general relacionada con una nueva forma de lidiar con el problema estético, repudiando las reglas de la tradición y buscando un “espíritu de la época”. A causa de esto, los distintos movimientos modernos y vanguardistas son, muchas veces, antagónicos.

Seguido del Impresionismo viene el fauvismo, considerado por algunos como el primer género “moderno” de arte. Así como los impresionistas revolucionaron el uso de la luz, también lo harán los fauvistas con el color, al ser repensado en cuanto expresión. Después del fovismo, el arte moderno comenzó a desenvolverse en todas las formas, yendo del Expresionismo (preocupado por la evocación de emociones), al Cubismo (repensando el espacio bidimensional y su relación con el espacio tridimensional), y el arte abstracto. Estas nuevas formas de arte aumentarán los límites de las nociones tradicionales de lo que se considera “arte” y se corresponde con los cambios similares que acontecían en la sociedad humana, en la tecnología y el pensamiento.

El Surrealismo es normalmente clasificado como una forma de arte moderno. Pero los propios surrealistas propusieron el estudio del surrealismo como una nueva era en la historia del arte, diciendo que aquella noción (surrealismo en cuanto una de las fases del arte del periodo) simplificaba demasiado la relación del surrealismo con la estética y falsamente lo caracterizaría como un movimiento restringido a un determinado periodo. Los surrealistas estaban preocupados con la “escritura automática” del ser humano, reveladora de su subconsciente (los avances en la psicología con Freud influyeron decisivamente en el surrealismo).

Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales se relacionan con el arte contemporáneo) incluyen:

* Dadaísmo
* Futurismo
* Construtivismo
* Letrismo
* Expresionismo abstracto

Periodo: primera mitad del siglo XX

Arte contemporáneo

Artículo: Arte contemporáneo.

Aunque el eje cultural internacional continúe siendo predominantemente occidental, teniendo en Nueva York y París sus capitales tradicionales, el arte practicado en los últimos 50 años han roto con ese límite: el arte practicado en Oriente, en África y otros lugares han ganado más relieve. De esta forma, el arte deja de estar limitado a los concepto occidentales tradicionales, incorporando nuevas culturas y alejándose cada vez más de la idea de una “tradición artística vernácula”. Sin embargo, diversos críticos alegan que, aunque existe una aparente internacionalización de la cultura, el ideario occidental continúa siendo vendido como modelo y todo lo que es extranjero es vendido (y consumido) como “exótico”.

Entre los movimientos de arte contemporáneo se destacan estos:

* Minimalismo
* Pop art
* Arte conceptual


Periodo: segunda mitad del siglo XX


 





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